Техника поп арт: Поп-арт для начинающих – как научиться рисовать

Содержание

Стиль Поп-арт — экспрессия и безумство

Поп-арт — интересное направление в искусстве, актуальное и модное по сей день!

В конце 50-х годов, в Америке считалось модным такое непонятное направление, как абстрактный экспрессионизм. Ничего не значащие и не несущие никакого смысла мазюки, которые подавались, как полное глубокого смысла элитное Vip-искусство. Для просвещения и понимания всего лишь нужно было несколько минут в день, с умным видом и желательно при гостях созерцать это. Веселые абстракционисты часто даже название не придумывали, а просто называли свои творения цифрами, или фразами, что на ум первое придет. Ну например, «Автомобильный сок№689».

Стиль или направление Поп-арт началось с того, что любой популярный продукт, или любимый всеми символ — будь то пышногрудая красотка из глянцевого журнала, или культурист, упаковки от любимых и известных чипсов, или банки из под кока-колы, или супа предподносился как предмет искусства с откровенной иронией и сарказмом.

Все популярные художники поп-арта делали не одну уникальную картину, а могли штамповать десятками раз. Одним словом поп-арт — это стёб над массовой культурой.

Одним из ярчайших представителей этого направления был Энди Уорхол. Выдающийся тролль, режиссер, создатель современной рекламы, художник, писатель книг, любитель Макдональдсов, создатель знаменитых портретов Мерлин Монро, Элвиса, Мао Цзедуна, и прочих личностей в кислотных и ярких, кричащих цветах. Его не менее знаменитая картина банка томатного сока «Campbell», которую он тиражировал сотнями, методом трафарета и шелкографии — в день по 50-80 копий, и так круглый год. Он стилизовал под газетные фото и полицейские протоколы, картины автокотостроф, портреты серийных убийц и бандитов, в общем касался самого максимально далекого от «Высокого и искусства». Одним из его фильмов был 24 часа, без какого-либо сюжета, просто камера снимала спящего человека.

Поп-арт виновен немало в появлении дизайна как такового. Появилась куча последователей и дочерних стилей, таких как оп-арт, или гиперреализм. И как не странно, устраивая стеб над массовой культурой, поп-арт в конце концов стал ее частью, ее элитарной верхушкой. Этот стиль повлиял даже на часть фильмов о Джеймсе Бонде.

Одежда в стиле поп арт — это сумасшедший коктейль красок, броские и странные формы, а так же синтетические материалы. В наши дни этот экстравагантный стиль часто используется. В одежде — это и мини юбки, и платья неоновых цветок, жакеты с широкими плечами, футболки с цветными фотографиями, яркие леггинсы с геометрическим рисунком, свитера — платья прямого кроя. Главный девиз: «Удивлять и быть замеченным!»

Экспрессия и безумство — главные элементы стиля поп-арт.

Одним словом смотрим и вдохновляемся!

Знаменитый Энди Уорхол.

Как нарисовать поп-арт портрет по фотографии на холсте

Тут собраны просто мои собственные изыскания на тему. Итак, как же можно нарисовать пор-арт портрет по фотографии.

Как нарисовать поп-арт портрет по фотографии

Надо сознаться, что портреты я обычно не рисую, не умею рисовать достаточно хорошо для этого. Разве что кошачие. 🙂  Но на создание портрета знакомого в стиле поп-арт я все-таки решилась.

Естественно, что исходная фото-картинка должна быть приличного качества, контрастной, свет должен красиво падать. Если у вас в наличии есть несколько разных, то попробуйте каждую, сами увидите какая лучше подойдет.

Совет — перед началом творчества в фотошопе предварительно лучше повысить контрастность фото.

Не обязательно брать всю, возьмите только ту часть, которая будет на ваш взгляд наиболее эффектно смотреться.

  • Фотошоп
  • Холст с подрамником
  • Акрил
  • Кисти
  • Копирка
  • Бумага
  • Принтер
  • Скотч
  • Ножницы

Поп-арт — очень модное сейчас направление, этот стиль  с удовольствием используют дизайнеры в современных интерьерах. Если вы хотите повесить дома на стену свой портрет на холсте, сделанный своими руками, либо сделать кому-либо в подарок, то этот пост на тему «как нарисовать пор-арт портрет по фотографии» несомненно подойдет для вас, будет полезен.

Исходный портрет

Во-первых, если фото-портрет на бумаге, то отсканируйте его, первым делом нужно перевести его в цифровой формат.

У меня был вот такой портрет для примера, я его специально размыла (вдруг человек увидит себя и будет недоволен), но вам этого делать не надо.

Поп-арт портрет в фотошопе — постеризация

Я привыкла работать в фотошопе. Выбираем «Изображение — коррекция — постеризация». Играем с ползунком уровня. Наименьшее значение 2. Чем меньше число, тем грубее портрет, чем больше, тем он ближе к оригиналу, тем больше детализация, больше цветов.

Вот пример, где уровень детализации равен двум. Уже вполне ничего себе смотрится. Нормальный поп-арт портрет. Если есть желание, то фон можно заменить, или убрать совсем, а на его месте нарисовать, например, расходящиеся к краям лучи.

Цвета можно сразу же заменить на другие, если какие-то вас не устраивают. В фотошопе есть для этого специальный инструмент «замена цвета» — вы выделяете участки, где нужна замена, выбираете ползунком необходимый оттенок, изменяете его насыщенность, есть там несколько параметров.

Постеризация с уровнем 2 — поп-арт портрет

Вот детализация чуть побольше. Короче, поиграйтесь с этим параметром. Но помните, что вам потом надо будет делать контуры, переносить их на холст, поэтому слишком уж детально проработанные вам ни к чему — замучаетесь.

Детальная постеризация портрета

Не забудьте сохранить тот вариант портрета, с которым вы решили дальше работать. Он вам еще пригодится. На последнем этапе, то есть когда вы будете рисовать… вернее, раскрашивать ваш арт портрет. 🙂

Выделение контуров по фотографии

Я вижу два самых простых способа выделить контуры.

  • Фильтр — стилизация — выделение краев
  • Фильтр  стилизация — трассировка контура

Первый — это «Фильтр — стилизация — выделение краев». Приблизительно вот так. Если хотите черное-белые очертания, то переведите в черное-белое.

Выделение краев на портрете

Второй почти такой же. Фильтр  стилизация — трассировка контура. Разницы принципиальной для нас нет.

Трассировка контура портрета

Далее в том же самом графическом редакторе — фотошопе — делаю размер картинки, равный размеру холста, на котором мы будем рисовать наш портрет в стиле поп-арт. Изображение — размер изображения. Естественно сначала нужно поправить пропорции, чтобы длина и ширина нашей фотографии и собственно холста были в одной пропорции. Иначе при изменении размера может получиться так, что по краям — справа и слева или сверху и снизу — останутся пустые места.

Фотошоп для разрезания фото с контурами поп-арт портрета

Как же разрезать наше изображение на части? Нам это нужно для того, чтобы можно было распечатать все листы на принтере, чтобы потом мы имели возможность работать с контурами.

Активируем на панели инструментов «Раскройку». Нажимаем правой мышью на картинку и выбираем «Разделить фрагмент». Выбираем на сколько частей по горизонтали и вертикали нужно делить. Это высчитывается исходя из того, каковы общая длина и ширина — печатаем мы на листе А4, измерьте его, поймете на сколько частей нужно разрезать.

Распечатываем портрет по частям

Разрезанные детали нужно сохранить. Поскольку это контуры, особое качество тут не нужно. Идем в «Файл — сохранить для Web и устройств».

Нажимаем на сохранить, указываем куда. На выходе имеем не один, а несколько файлов, по количеству, указанному вами в предыдущем пункте. У меня вышло 9 кусков.

Каждый распечатываем на принтере. Я указала угловые точки, так мне удобней потом складывать все в единое целое.

Далее идет «обезьянья работа» — отрезаем частично края, совмещаем, аккуратно приклеиваем друг к другу. В итоге имеем следующее:

Склеиваем все детали эскиза

Чуть не забыла — не забудьте загрунтовать холст — это очень важно — просто покройте его слоем белого акрила. Дайте хорошо высохнуть. По нему мы уже будем рисовать.

Я действую старым бородатым методом — при помощи копирки перевожу рисунок на холст. Заранее приклеиваю скотчем края нашего контурного изображения к краям холста, чтобы ничего не двигалось, не смещалось. Предварительно внутрь прокладываю копировальную бумагу.

Переводим контуры на холст

Когда этот этап работы закончен,  приступаем к самому интересному. Когда вы были детьми, наверняка помните книжки-раскраски. Нужно было рисовать одним цветом между контурными линиями.

Здесь то же самое. Есть выделенные края, между ними нужно закрасить определенным цветом. Для этого открываем сохраненный вариант. Если вас что-то не устраивает, то некоторые цвета можно заменить. Это очень удобно — вы сразу видите результат и эффект от изменений.

Берете краски, подойдут акриловые, масляные, а также кисточки и начинаете раскрашивать, поглядывая на образец на экране компьютера, чтобы не перепутать цвета.

Можно сделать парные портреты в стиле поп-арт, всем членам семьи, например, он и она, на двух разных холстах, повесить рядом, будет замечательно смотреться, очень современно.

Кстати, у меня есть еще всего несколько постов на тему поп-арта. Правда, с портретами ничего общего у них нет. Это про одного известного американского художника, который успешно работал в стиле поп-арт, у него великолепные двухслойные аппликации из бумаги. Это стоит посмотреть, а повторить для себя тем более — все гениально просто!

Поп арт портреты витражными красками на стекле

Мне только что пришла в голову одна гениальная идея. Все может быть еще проще, чем я тут написала. Портрет (или что угодно другое — пейзаж или натюрморт, без разницы) по фотографии можно изобразить не только как картину, что на мой взгляд, не так просто из-за перевода распечатанных линий на холст, но также как своего рода витраж.

Сейчас объясню, что я имею в виду. Многие рамы продаются уже вместе с каким-то никому не нужным постером (для примера, наверное), а также с защитным стеклом. Если я рисую картину маслом или акрилом, то стекло это я просто не вставляю, оно только мешает, портит впечатление.

Можно поступить с точностью до наоборот — внутрь подложить белый лист бумаги, а рисунок сделать на стеклянной поверхности. Этим мы заметно облегчим процесс. Каким образом, спросите вы? Очень просто. Переводить эскиз не понадобится. Единственное, что будет необходимо — это подложить под стекло готовый контурный рисунок, а еще закрепить его, чтобы не смещался.

Все очертания нашего портрета в стиле поп-арт (или что у вас там) будут отлично видны сквозь прозрачное стекло. Дальше работаем обычными витражными контурами — прямо по стеклу. Даем основательно высохнуть. Последний этап — заполняем замкнутые линии цветом.

Роспись по стеклу – Коты на крыше

Подобную вещицу я делала с кошечками. Это небольшая картинка, которая висит у меня на кухне. Если это не посуда (которую часто используют, моют в посудомоечной машине), что закреплять в духовке получившуюся работу не обязательно. Но если она по размерам влезает, то можно закрепить. Надо сказать, что с плоским материалом работать проще, хотя при расписывании стеклянных вазочек, стаканов, я тоже для удобства перевода основных очертаний вставляю внутрь распечатанный эскиз.

Конечно, котики не имеют ничего общего с поп-артом, но уверена, что портрет на стекле получится ничуть не хуже, чем на холсте, а возможно даже лучше. Интересней. Современней.

А если внутри (если толщина рамы позволяет) добавить светодиодную подстветку, а снаружи выключатель, то будет просто великолепно. Особенно здорово будет смотреться вечером.

Вас может заинтересовать:

Как рисовать цветы — копия натюрморта с тюльпанами акварелью

Картинка была найдена мною в сети, совершенно случайно, но она так мне понравилась, что мне захотелось скопировать ее для себя. Я совершенно не умею работать акварелью, но решила попробовать. На удивление, получилось очень похоже на оригинал. Очень приятные цвета получились, висит у меня на кухне.

Как нарисовать пейзаж — лавандовые поля

Небольшой типичный весенний тосканский пейзажик с цветущей лавандой, домом с красной крышей, пирамидальными тополями, очень простой. Нарисован обычными всем доступными акриловыми красками. Приведен эскиз, который можно распечатать, затем предварительно перевести на холст, а также последовательность работы.

Объемные картины из ткани и клея на холсте

Очень интересная совершенно необычная техника. Возможно, не самые лучшие примеры, но зато познавательно. Фигуры имеют объем за счет складок материи, жесткость материалу придает добавление клея. Таким образом хорошо можно передать движение. Там же есть ссылка похожую технику, только применены бумажные листы и газеты.

Похожие статьи:

150 картин, 30 художников, история жанра в искусстве, идеи, черты, определение

Кратко, поп-арт — это стиль искусства, наиболее популярный в 60-х годах 20-ого века. Сюжеты картин строятся на известных всем объектах: знаменитостях, комиксах, еде, бытовых предметах. Ему присущи яркие цвета, плоскость, ирония и отсутствие глубокого смысла.

Родина поп-арта

Считается, что движение «поп-арт» зародилось в Лондоне в 1952 году в сообществе молодых художников, критиков, архитекторов и писателей «Независимая группа» (объединение, чьи члены исследовали влияние технологий, массовой культуры и рекламы на современное искусство), куда входили Ричард Гамильтон, Найджел Хендерсон, Джон МакХейл, Эдуардо Паолоцци и Уильям Тернбулл, которые затем провели выставки с первыми образцами поп-арта. Их работы оказали сильное влияние на последующее развитие движения.

Независимая группа (1956)
The Independent Group

История появления термина

Кто именно изобрел название термина, неизвестно, но обычно его авторство приписывают британскому искусствоведу Лоуренсу Аллоуэю, который в 1958 году опубликовал эссе под заголовком «Искусство и средства массовой информации», где он впервые употребил слова «популярная массовая культура», что было близко к укоренившееся затем названию «поп-арт».

Лоуренс Аллоуэй — портрет
Lawrence Alloway

Аллоуэй был одним из ведущих критиков, защищавших поп-арт как законную форму искусства.

Первое изображение

Хотя еще в 1952 году на лекции был показан коллаж Эдуардо Паолоцци «Я была игрушкой богача», официально первым образцом современного поп-арта считается коллаж Ричарда Гамильтона «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?». Он был показан на новаторской выставке «Независимой группы» под название «Это завтра» в 1956 году в Галерее Уайтчепел в Лондоне.

Эдуардо Паолоцци «Я была игрушкой богача»
I was a Rich Man’s Plaything — Eduardo Paolozzi, 1952

Коллаж размером 26×24.8 см был склеен из изображений, вырезанных из журналов массового тиража. На нем в соблазнительных позах изображены полуобнаженные герои: культурист и девушка на диване с абажуром на голове.

Ричард Гамильтон «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?»
Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing? Richard Hamilton, 1956

Действие происходит в гостиной, заполненной образцами и эмблемами послевоенной хорошей жизни в американском стиле.

На столе стоит консервированная ветчина. На стене в рамке висит обложка американского комикса «Young Romance». Мужчина держит в руках гигантский леденец на палочке. Центр коллажа на уровне глаз занимает надпись «поп».

Успех изображения был ошеломительным. Многие до сих пор придерживаются мнения, что именно Ричард Гамильтон в одиночку стал пионером поп-арта и что именно он определил условия, которых должно было придерживаться течение.

Ричард Гамильтон — портрет
Richard Hamilton

В то же время появление стиля поп-арт можно считать почти случайным, коллаж Гамильтона изначально был иллюстрацией к афише выставки и лишь через несколько был показан и продан как произведение искусства.

История возникновения поп-арта

Далекие предшественники

Слияние изобразительного искусства и массовой культуры (таких как рекламные щиты, упаковка и печатная реклама) началась еще задолго до 1950-х гг.

Почти столетие назад, в 1855 году французский художник-реалист Гюстав Курбе символически посодействовал развитию популярного вида искусства, взяв для своей картины позу из недорогой серии печатных изданий под названием Imagerie d’Épinal (Имажери д’Эпиналь). Эта чрезвычайно популярная серия включала в себя ярко окрашенные морализаторские сцены, придуманные французским иллюстратором (и соперником Курбе) Жаном-Шарлем Пеллерином (1756-1836). Каждый школьник знал эти изображения с уличной жизнью, военных и легендарных персонажей. Неужели средний класс понял намек Курбе? Может быть и нет, но Курбе было все равно. Он знал, что низкой формой живописи вторгся в высокое.

Испанский живописец Пабло Пикассо использовал ту же стратегию. Он пошутил о любовной связи людей с покупками, создав женщину из этикетки и рекламы универмага Бон Марше. Хотя «Au Bon Marché» (1913) не может считаться первым поп-арт коллажем, он, безусловно, посеял семя для будущего движения.

Au Bon Marché — Pablo Picasso, 1913
Бон Марше — Пабло Пикассо

Связь с дадаизмом

Первопроходец дада Марсель Дюшан продвинул потребительскую уловку Пикассо дальше, используя в своих экспозициях реальные продукты массового потребления: стеллаж для бутылок, лопату для снега, писсуар (перевернутый). Он называл эти предметы реди-мейдами, то есть техникой «использования в искусстве вещей из магазина».

Нео-дада, или ранний поп-арт

Ранние поп-арт художники последовали примеру Дюшана в 1950-х годах, вернувшись к фигурам в разгар абстрактного экспрессионизма и намеренно использовав «низкопробные» популярные образы. Они также воспроизводили трехмерные объекты.

Пивные банки Джаспера Джонса (1960) и кровать Роберта Раушенберга (1955) — это одни из примеров. В годы своего становления эти работы причислялись к нео-дада. Сегодня мы можем назвать это ранним поп-артом.

Цели и причины течения

Некоторые молодые британские художники 50-х годов, выросшие в военных условиях жесткого ограничения в рационе питания и утилитарного дизайна, смотрели на Америку с ее соблазнительной поп-культурой и потребительским образом жизни с долей романтической иронии и зависти.

Они рассматривали США как страну свободных — свободную от уродливых условностей классовой власти, которая могла задушить ту культуру, которую они представляли: более инклюзивную, молодую, охватывающую социальное влияние средств массовой информации и массового производства.

Поп-арт стал их способом выражения в этом поиске перемен, и его язык был адаптирован из коллажей дада. Дадаисты создали иррациональные комбинации случайных образов, чтобы спровоцировать реакцию со стороны властей своего времени.

Поп-арт и минимализм — самые новые жанры искусства.

Британские же деятели искусств переняли подобную визуальную технику, но сосредоточили свое внимание на массовых образах популярной культуры, которыми они размахивали перед лицом власти.

Поп-арт был способом выражения желания перемен, реакцией против существующего положения вещей.

Он также был реакцией молодых деятелей искусств на послевоенный потребительский бум, когда все больше и больше товаров рекламировалось и продавалось.

Поп-арт в США

В США поп-арт появился в конце 1950-х годов и развивался он иначе, чем в Великобритании. Тогда как в Англии на потребительскую культуру и идеализированную картину жизни смотрели со стороны, американцы находились в ее самой гуще, что не могло не повлиять на развитие стиля.

После Второй мировой войны экономический бум привел к повышению заработной платы и увеличению количества свободного времени, а массовое производство привело к созданию телевизоров, посудомоечных машин и автомобилей в беспрецедентных масштабах. Наряду с новыми технологиями в печатном производстве, распространилась и развилась рекламная индустрия брендов, каждый из которых продавал товар с обещанием доставить удовольствие.

Поп-арт в США был обезличенным и отстраненным от личности художника, тогда как в Великобритании он был более субъективным и метафоричным.

Благодаря вновь обретенному богатству, мобильности и свободному времени многие американцы переехали в пригороды (так как дома стали легкодоступными), а телевидение стало доминирующим средством массовой информации в 1950-х годах.

Но в 60-е годы многие увидели, что этот доминирующий социальный порядок и его бесконечное шаблонное повторение подавляют и восстали против этого заранее предусмотренного образа жизни, бросив вызов политическому истеблишменту, протестуя, например, против войны во Вьетнаме.

Процветали общественные движения, стремящиеся обеспечить равенство и гражданские права афроамериканцев и женщин. Этот бунтарский дух укоренился и в мире искусства, поскольку многие молодые художники в то время чувствовали, что то, чему их учили в художественной школе и что они видели в музеях, не имело никакого отношения к жизни и культуре, которая их окружала. В знак протеста они обратились к таким источникам, как поп-музыка, упаковка продуктов, комиксы и голливудские фильмы, используя образы массового производства для создания искусства, которое критиковало и подрывало его. Так и родилось это направление живописи, скульптуры и моды.

Пока британцы создавали юмористические или романтизированные произведения, американцы  рисовали агрессивные, более смелые, драматичные и менее беззаботные картины.

Окруженные продуктами потребительской культуры, американские поп-авторы вдохновлялись тем, что они видели и испытывали, живя в рамках этой культуры. В США это новое движение рассматривалось как возвращение к репрезентативному искусству, то есть тому, что изображало визуальный мир узнаваемым образом.

Почти все поп-арт художниками были дизайнерами, занимавшимися печатью.

В предыдущие десятилетия в Америке доминировали абстрактные экспрессионисты, которые (как следует из их названия) использовали выразительные жесты и абстрактные, не изображающие реальных предметов образы. Столкнувшись с миром потребительских вещей, поп-арт авторы отвернулись от этой абстракции, вместо этого используя жесткие грани и узнаваемые формы для создания типа искусства о видимом мире вокруг них. Используя безличные, приземленные образы, поп-арт авторы также хотели отойти от акцента на личные чувства и символику, которые характеризовали абстрактный экспрессионизм.

Американский поп-арт был ответом на культуру того времени, которая погрязла в рекламе и коммерциализме. Хотя этот стиль не склонен открыто критиковать такое положение вещей, он находился под сильным влиянием СМИ, точно так же, как художники прошлого находились под влиянием природы и религии.

В результате он очень глубоко противоречил массе, поскольку, в отличие от многих авангардных движений до этого, он включал в себя тематику и методы, с которыми широкая аудитория была уже очень хорошо знакома.

Идеи

Поп-арт отличался тем, что не идеализировал культурные объекты, а изображал их такими, какие они есть. Основная идея этого движения состояла в том, что искусство не является элитарным, оно может быть связано с простыми людьми или повседневными вещами. Оно должно быть понятным каждому, а не быть привилегией ограниченного круга лиц.

Ключевые идеи:

  • Размытие понятия между «высоким» и «низким» искусством. Фундаментом жанра служила идея об отсутствии иерархии в культуре. Вдохновение могло черпаться из любых источников.
  • Эмоциональная отстраненность. Хотя подходы и работы были очень разными, всех их объединяло холодное дистанцирование в эмоциях. Одни считают это принятием популярного мира, другие шокированным отступлением.
  • Отсутствие глубокого смысла. Простота — это одновременно и сильная сторона, и то, за что направление подвергалось жесткой критике. Смысл поп-арта лежит на поверхности.

Характерные черты

Поп-арт легко узнаваем благодаря своей живости и уникальным характеристикам, которые присутствуют во многих знаковых произведениях этого движения.

К его особенностям относятся:

  • Узнаваемые образы. Поп-арт использовал изображения и символы популярных медиа и продуктов. В них входили коммерческие товары, такие как банки из-под супа, дорожные знаки, фотографии знаменитостей, газеты, фирменные названия, логотипы и прочее.
  • Отсутствие выдуманных сюжетов и предметов. Поп-арт всегда основывается на то, что есть. Авторы не выдумывают новых героев и объектов.
  • Яркие цвета. Стиль характеризуется сочными, яркими цветами, к основным относится красный, желтый и синий.
  • Ирония и сатира. Юмор — один из основных компонентов поп-арта. Мастера используют их, чтобы сделать заявление о текущих событиях, посмеяться над причудами и бросить вызов существующему положению вещей.
  • Инновационные методы. Многие поп-арт художники были дизайнерами или занимались печатью, что позволяло им создавать изображения быстро и в больших количествах. Энди Уорхол использовал шелкографию — процесс, с помощью которого через сетчатый экран с трафаретом чернила переносятся на бумагу или холст. Рой Лихтенштейн, чтобы добиться своего фирменного визуального стиля, использовал литографию. Авторы картин часто брали образы из других областей массовой культуры и включали их в свои произведения, либо измененными, либо в своей первоначальной форме. Этот тип присвоения часто работал рука об руку с повторением, чтобы разрушить разделение между высокой и низкой культурой, которое делало различие между рекламой, средствами массовой информации и изобразительным искусством.
  • Смешение медиа и коллажа. Художники часто смешивали материалы и использовали множество различных типов журналов и газет. Подобно Роберту Раушенбергу, чьи работы предвосхитили развитие жанра, Том Вессельман и Ричард Гамильтон объединили кажущиеся несопоставимыми образы в единое полотно, чтобы создать совершенно современную форму. Точно так же Марисоль известна своими скульптурами, которые для изображения фигур используют множество различных материалов.
  • Плоские образы под влиянием комиксов и газетных фотографий.

Самые известные британские поп-арт художники

Питер Блейк

Портрет Питера Блейка, дата рождения — 1932

Питер Блейк — известный английский представитель направления, наибольшую славу которому принесла его обложка для альбома группы Биттлз «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band». На ней изображена сама группа в окружении картонных знаменитостей. Это культовая обложка, которая, по опросам, считается одной из лучших в мире.

Оркестр клуба одиноких сердец сержанта Пеппера — Питер Блейк, 1967
Peter Blake — Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band

Блейк известен своими красочными графическими работами, использовавшими образы массовой культуры.

«Я хотел создать искусство, которое было бы визуальным эквивалентом поп-музыки», — говорил он.

Патрик Колфилд

Patrick Caulfield, 1936 — 2005

Колфилд писал полотна, в которых использовал повседневные сюжеты, натюрморты, домашние интерьеры, взятые из рекламы и дешевых иллюстраций, чтобы передать живую яркость и юмор.

Его изображениям характерна толстая черная обводка и яркие, насыщенные цвета.

Дэвид Хокни

Дэвид Хокни — один из самых выдающихся художников Англии 20 века и яркий представитель поп-арта Великобритании. В 1961 году его работы были выставлены в Лондоне на Young Contemporaries.

В 1963 году он познакомился с Энди Уорхолом, а затем посетил Лос-Анджелес, который вдохновил его на написание потрясающе реалистичных картин с плавательными бассейнами. Эти работы были выполнены в плоском стиле яркими красками акрила.

В 2011 году Хокни был признан самым влиятельным британским художником всех времен.

Аллен Джонс

Один из основоположников британского поп-арта. Джонс использует в своих работах простые образы в сочетании с ярким, смелым цветом. Наиболее известен своими эротическими скульптурами и изображениями женщин в натуральную величину с фетишистским и садомазохистским подтекстом.

Влиятельные американские поп-арт художники

Джим Дайн

Джим Дайн был представителем нео-дада и поп-арта, специализируясь на коллажах, «реди-мейдах» (найденных объектах повседневного потребления, помещенных в арт-среду) и хеппенингах (вид искусства, напоминающие перфоманс, но артист полностью не контролирует происходящее).

Jim Dine — портрет

Впервые он привлек к себе внимание своими хеппенингами в 1959 году, которые ставил в сотрудничестве со скульптуром Класом Олденбургом, художником Алланом Капроу и авангардным композитором и концептуалистом Джоном Кейджем.

В 1962 году его работы, наряду с другими значимыми авторами, были показаны на важной выставке поп-арта в Пасадене. В 60-х годах Дайн создал целый ряд произведений искусства, используя предметы и образы поп-культуры, иногда прибегая к сенсационности дадаизма, например, в своей эротической инсталляцией, которая была закрыта полицией Лондона за непристойность.

В сюжеты его произведений входят повседневные предметы и символы: сердца, инструменты, одежда, черепа, наполненные личным смыслом.

Центральную часть его творчества занимают гравюры. За свою жизнь он создал свыше 1000 гравюр, некоторые из них поистине масштабны.

Джим Дайн смело экспериментировал с материалами и техниками: шлифовал пластинами, тер и скреб бумагу; импровизировал, «атакуя» работы серией спонтанных действий.

Многие его произведения автобиографичны. Например, его серия работ с инструментами восходит к детству, когда он играл в скобяной лавке своего деда. Серия «Халат» была вдохновлена рекламой в журнале, которую он увидел в 1963 году. Как рассказывал Дин

Я искал способ делать автопортреты, не рисуя свое лицо. Я увидел этот халат в рекламе. В ней не участвовал человек, но форма халата выглядела как моя, так что он стал для меня своего рода метафорой.

Роберт Индиана

Роберт Индиана (настоящее имя Роберт Кларк), прежде чем присоединиться к движению в Нью-Йорке в 1954 году, начинал как абстрактный художник и резчик по дереву. Отброшенные трафареты побудили его исследовать искусство надписей, он стал помещать буквы и слова (например, Love, Eat, Die) на свои картины, основанные на форме пинбольных автоматов.

Роберт Индиана — портрет

Роберт Индиана называл себя «американским художником вывесок». Самую большую славу ему принесло графическое изображение «Love», которое в 60-х годах впервые появилось на рождественских открытках и марках. Марка с его графикой считается самым широко распространенным поп-арт изображением (было продано более 300 миллионов).

Позже он создал скульптурную версию, которую воспроизвел в разных стилях и на разных языках, включая стальную еврейскую со словом «Ahava».

В 2008 году он создал новое произведение со словом «Hope», все доходы от которого (удалось собрать 1 млн. долларов) были пожертвованы в фонд предвыборной кампании Барака Обамы.

Джаспер Джонс

Вместе с Раушенбергом Джонс был одним из пионеров поп-арта в 1950-х гг. Впервые его узнали благодаря полотнам с изображением американского флага, а также графике с мишенями и цифрами.

Портрет Джаспера Джонса

Он также был известен тем, что использовал в своих масляных картинах краски с воском и гипс.

После успеха изображений с флагом Джонс начал использовать в сюжетах своих произведений реальные предметы, а также занялся скульптурой (например, скульптура «Банки супа», 1964).

Его использование образов и материалов поп-культуры, естественно, привело к тому, что его назвали поп-арт художником, но его работы (включая большое количество пародий на Дюшана, парадоксы и противоречия) также привели к тому, что его стали относить к нео-дадаистам.

Ранние работы Джаспера Джонса ставят под сомнение то, как мы рассматриваем, воспринимаем и создаем искусство. Он не делает различия между субъектом и объектом в своей работе, или искусством и жизнью. В его глазах это одно и то же. Джонс считает, что мы должны смотреть на картину не как на иллюзию, а как на объект со своей собственной реальностью.

Роберт Раушенберг

Роберт Раушенберг также использовал «найденные образы» в своем творчестве, но, в отличие от образов Джонса, они были объединены в отношении друг с друга или с реальными объектами. Работы обоих этих художников часто называют нео-дада, поскольку они опираются на «найденные образы», впервые изученные такими дадаистами, как Марсель Дюшан и Курт Швиттерс.

Роберт Раушенберг — портрет

Вдохновленный Швиттерсом, который создавал коллажи из отбросов, подобранных им на улице, Раушенберг объединял реальные предметы, найденные им в своем нью-йоркском районе, с коллажными и живописными техниками.

«Вообще-то у меня было правило. Если я обошел весь квартал и мне не хватило материала для работы, я мог пройти еще один квартал в любом направлении».

Он считал, что его работы «должны были выглядеть по меньшей мере так же интересно, как и все то, что происходило за окном». Раушенберг считал, что «живопись больше похожа на реальный мир, если она сделана из реального мира».

Работы автора стирали границы между живописью и скульптурой, смешиваю между собой методы и того, и другого.

Алекс Кац

Алекс Кац — уникальный фигуративный художник, известный своими масштабными упрощенными изображениями семьи и друзей. Кац создавал культовые картины, документирующие американскую сцену, а затем и американский пейзаж.

Алекс Кац — портрет

Он рисовал свою жену Аду и других людей множество раз в плоском стиле на ярком фоне одного тона.

Он также создавал коллажи, а в 90х годах рисовал природу, использовав простые образы листьев, света, теней и цветов.

Рой Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн — один из ведущих и узнаваемых авторов в этом жанре.

Он сделал комиксы центром своего творчества, что до него еще не делал никто. Лихтенштейн брал комиксы, увеличивал их, обрезал, заменял пузыри с репликами на другие, иногда смешивал героев одних серий комиксов с другими и создавал картины.

Рой Лихтенштейн — портрет

Несмотря на то, что полотна кажутся просто распечатанными страницами, Лихтенштейн рисовал их маслом и синтетической полимерной краской, имитируя газетную печать. Для своей культовой точечной техники он использовал трафареты с кругами, так как рисовать их вручную, учитывая большой размер работ, было сложно.

Рой Лихтенштейн восхищался яркими красками и смелыми линиями комиксов, ему нравились реплики героев. Разница работ Лихтенштейна в сравнении с другими художниками, которые использовали подобный китчевый материал, заключалась в том, что он сделал сам комикс произведением искусства.

Ричард Гамильтон однажды назвал Роя Лихтенштейна самым «изумительно экстремальным» из американских поп-арт художников. Больше всего Гамильтона поразила чистота творчества Лихтенштейна, поразило то, как его картины-комиксы были «верны средствам массовой информации».

Поначалу его картины шокировали и критиковали за копирование и отсутствие оригинальности, но коллекционеры и владельцы галерей быстро приняли их.

«Трудно было достать картину, которая была настолько отвратительной, чтобы ее никто бы не повесил… Все вешали все подряд. Повесить мокрую тряпку с краской было почти приемлемо, к этому все привыкли. Единственное, что все ненавидели, — это коммерческое искусство; очевидно, и его они ненавидели недостаточно», — говорил он.

Жесткий коммерческий стиль полотен из комиксов Лихтенштейна был противоядием от бессвязных всплесков позднего абстрактного экспрессионизма, но он не противопоставлял поп-арт дадаизму: «Я не думаю, что поп-арт существовал бы, если бы до него не существовало дадаизма, но я и не думаю, что поп-арт — это тоже самое, что и дада. Я не рассматриваю свою работу как антиискусство или что-то, что отличается от основного направления живописи со времен Ренессанса».

Хотя в стиле Роя Лихтенштейна есть элемент иронии и юмора, его работа лежит в рамках классической живописи: в использовании линии, формы, тона и цвета в качестве композиционных элементов.

Клас Олденбург

Олденбург был одним из главных скульпторов поп-арта, а также художником-перформансом. Он хотел показать всю пошлость американской культуры, особенно Нью-Йоркской.

Клас Олденбург — портрет

Его работа была сосредоточена на превращении привычного в нечто странное. Для этого он увеличивал обычные, повседневные объекты и помещал их в общественные места, тем самым побуждая зрителя по-другому рассматривать окружающую их среду.

Работа Олденбурга полна юмористической иронии и противоречия: с одной стороны, он делает твердые предметы, такие как раковина в ванной, из мягкого провисшего винила, а с другой — мягкие, такие как чизбургер, из твердой крашеной штукатурки.

Его главным вкладом в поп-арт было превращение банальных предметов в искусство.

Джеймс Розенквист

Благодаря сложному переплетению таких мотивов, как бутылки из-под Кока-Колы, кухонные приборы, упакованные продукты питания, женские накрашенные губы и наманикюренные руки, большие полотна и гравюры Розенквиста воплощают головокружительную вездесущность потребительского мира.

Розенквист использовал рекламный стиль живописи на небольших холстах, где изображения становились мягко размытыми, а их качество терялось при ориентации крупным планом и обрезке изображения.

Он создавал ошеломляюще грандиозные произведения, казалось бы, не связанные друг с другом. Часто эти работы заполняли целые стены галереи.

Чувство подавленности было уникальным способом художника выразить оцепенение общества перед его нездоровой одержимостью не только материальным потреблением, но и политической славой и славой знаменитостей.

Самая известная работа Джеймса Розенквиста — массивная, откровенно политическая картина «F-111». Созданная в 1964-65 годах, она стала своего рода протестом против милитаризма в Америке.

F-111, 1964-1965

Поперек 26-метровой работы, состоящей из 51 панели, изображен военный истребитель-бомбардировщик, перемежающийся множеством изображений, таких как пляжный зонт, грибовидное облако, спагетти и молодую девушку под феном, очень похожим на боеголовку.

Эд Рушей

Рушей стал известен в конце 1950-х годов, когда он начал делать небольшие коллажи, используя изображения и слова, взятые из повседневных источников, таких как реклама. Этот интерес к повседневности привел его к использованию пейзажа его родного города Лос-Анджелеса как источника вдохновения, к которому он возвращался снова и снова.

Эд Рушей — Портрет

Рушей часто сочетает образы города со словами и фразами из повседневной речи, чтобы передать определенный опыт. Он также исследует банальность современной городской жизни и шквал образов и информации, поступающих из средств массовой информации, с которыми мы ежедневно сталкиваемся.

Рушей играет с языком в своих работах, используя такие приемы, как звукоподражание, каламбуры, аллитерация и оксюморон. Многие из его ранних работ изображают отдельные слова в типографском формате или шрифте.

Предложения и фразы наводят на мысль о повседневном американском языке и сленге, а также привлекают внимание к определенному опыту или напоминают об излишествах голливудской культуры.

Энди Уорхол

Энди Уорхол — самый знаменитый художник, икона поп-арта.

Сначала он успешно работал как «коммерческий художник», тематика его картин была заимствована из образов массовой культуры: рекламы, комиксов, газет, телевидения и кино.

Уорхол воплотил дух американской массовой культуры и возвысил ее образность до статуса музейного искусства. Он использовал изображения знаменитостей и потребительских товаров, у которых, по его мнению, была банальность, что делало их более интересными.

Энди Уорхол — Портрет

Он чувствовал, что такие изображения были лишены своего смысла и эмоционального присутствия из-за их массового воздействия на публику. Уорхол был очарован этой банальностью, которую он прославлял в ряде сюжетов, начиная от суповых банок, заканчивая знаменитостями.

Будь то изображение с лапшой или портрет Элизабет Тейлор, Уорхол всегда придерживался одного и того же подхода: «Я думаю, что каждая картина должна быть одинакового размера и цвета, чтобы все они были взаимозаменяемы, и никто не думал, что у него есть лучшая или худшая картина».

Уорхол рассматривал эту эстетику массового производства как отражение современной американской культуры:

«Самое замечательное в этой стране то, что Америка положила начало традиции, когда самые богатые потребители покупают в основном то же самое, что и самые бедные. Вы можете смотреть телевизор и увидеть Кока-колу, и вы знаете, что президент пьет Кока-колу, Лиз Тейлор пьет Кока-колу, и, просто подумайте, вы тоже можете пить ее.

Кока-кола есть Кока-кола, и никакие деньги не дадут вам лучшей кока-колы, чем та, которую пьет бродяга на углу. Вся Кока-Кола одинакова, и вся Кока-кола хороша. Лиз Тейлор знает это, президент знает это, бродяга знает это, и вы знаете это». Очевидная ирония этого утверждения заключается в том, что цена этой бутылки на картине взлетает в стратосферу, как только Уорхол подписывает ее.

Его многочисленные причудливые заявления были намеренно загадочны и противоречивы, избегая разъяснений и заставляя публику размышлять об их значении. Уклончивая позиция Уорхола была стратегией, результатом которой стала самореклама. Он культивировал свой собственный имидж как бизнес-модель, которая была неотделима от его искусства. Он говорил:

Я начинал как коммерческий, и хочу закончить как бизнес-художник. Быть преуспевающим в бизнесе — это самый увлекательный вид искусства.

Важные поп-арт картины

Натюрморт № 20 — Том Вессельман, 1962

Still Life #20, 1962 Tom Wesselmann
Натюрморт № 20 — Том Вессельман

Натюрморт Still Life #20 — это часть серии скульптурных натюрмортов, которые Том Вессельман начал создавать в начале 1960-х годов.

На левой стороне изображены некогда функциональные предметы, которые он собрал, а затем поместил в настоящем шкафу над частью реальной раковины.  Свет над краном можно включить или выключить, а шкафчик можно открыть или закрыть.

Справа автор собрал в композицию двумерные изображения разных видов продуктов и напитков. Над ними висит репродукция картины художника Пита Мондриана, который использовал элементы искусства в их самых чистых формах—прямые линии, прямые углы и основные цвета — в попытке представить будущее утопическое общество.

Вессельман часто включал репродукции работ других художников в свои конструкции, чтобы продемонстрировать, как искусство интегрировалось в повседневную жизнь и присоединилось к коммерческому миру.

На балконе — Питер Блейк, 1955 – 1957

On the Balcony, 1955 – 1957, Peter Blake
На балконе — Питер Блейк

Несмотря на то, что изображение выглядит коллажем, это полотно, написанное маслом. На ней изображена группа подростков, как олицетворение современного мира, восприимчивого к поп-арту, разрушающего традиционные представления об арт-объектах. Вокруг них множество картин и фото на тему «Балконы». Например, слева репродукция Мане, а справа журнал «Лайф». Всего на работе насчитывается 32 варианта балконов.

Как и на многих полотнах Блейка, подростки изображены с короткими стрижками и прямыми, более естественными взглядами, чем их черты лица, которые считаются более утонченными.

Флаг — Джаспер Джонс, 1954 – 1955

Flag, 1954 – 1955 Jasper Johns
Флаг — Джаспер Джонс

Эта картина имеет большое значение для поп-арта. Джонс написал ее поверх коллажа из газет — которые определяли этот символ страны в тот момент.

Художник не стал выдумывать какой-либо сюжет, он нарисовал узнаваемый всеми флаг. Он также не стал вкладывать в изображение свой смысл, он отдал эту привилегию зрителям. Кто-то видит в картине флага национальную гордость и свободу, а кто-то только империализм или угнетение.

Сам автор нарисовал изображение в контексте «охоты на ведьм» 1950‑х годов, когда началось устранение коммунистов в Правительстве США.

Тонущая девушка — Рой Лихтенштейн, 1963

Drowning Girl, 1963 Roy Lichtenstein
Тонущая девушка — Рой Лихтенштейн

Одна из знаковых работ поп-арта. Сюжет работы взят из комикса DC «Run for Love!», где был изображен парень и тонущая девушка. Художник обрезал изображение, увеличив девушку и изменив ее слова на «Мне наплевать. Я лучше утону, чем попрошу Бреда о помощи».

Это, вероятно, о том, что бойфренд девушки разбил ей сердце, что вызвало ее страдание и утрату доверия к нему. Эти болезненные эмоции, которые могут длится долго, откликнулись в сердцах людей. Возможно именно поэтому эта картина так популярна.

Синий цвет подчеркивает печаль и отчаяние.

Большой всплеск — Дэвид Хокни, 1967

David Hockney, A Bigger Splash , 1967
Большой всплеск — Дэвид Хокни

Хокни написал эту работу еще в Калифорнийском университете в Беркли. Большой всплеск был создан как конечный результат двух меньших картин, в которых он развивал свои идеи, — «Маленький всплеск» (1966) и «Всплеск» (1966). A Bigger Splash — значительно более крупная работа.

Хокни был одним из первых художников, широко использовавших акриловую краску, которая была тогда довольно новым художественным средством. Он чувствовал, что как быстросохнущая субстанция она больше подходит для изображения жарких, сухих пейзажей Калифорнии, чем традиционные масляные краски.

В картине Хокни исследует, как изобразить постоянно движущуюся поверхность воды. Всплеск был основан на фотографии плавательного бассейна, которую Хокни видел ранее. Он был заинтригован идеей того, что фотография может запечатлеть это событие на долю секунды, и стремился воссоздать его в живописи.

Динамизм всплеска сильно контрастирует со статичной и жесткой геометрией дома, краем бассейна, пальмами и желтой доской для прыжков в воду. Это придает изображению несвязный эффект, абсолютно преднамеренный, что фактически является одним из отличительных признаков стиля Хокни.

Мне очень понравилась идея нарисовать этот момент, длящийся две секунды: мне нужно две недели, чтобы нарисовать то, что длится две секунды.

Банки с супом Кэмпбелл — Энди Уорхол, 1962

Campbell’s Soup Cans, 1962 Andy Warhol
Банки с супом Кэмпбелл — Энди Уорхол

Картина с банками супа любимая у Энди Уорхола.

В поиске идей для сюжетов изображений он любил расспрашивать своих друзей и знакомых. Один из них посоветовал ему нарисовать что-то простое, узнаваемое, что-то, что есть у каждого дома, например, эти банки супа.

Уорхол скупил все вкусы и нарисовал их на 32 картинах. Они были выставлены по всей длине галереи и произвели фурор. Молодые художники считали это чем-то новым интересным, но большинство же проходили мимо с безразличием и даже с откровенным презрением.

Владелец соседней галереи спародировал выставку, выставив реальные банки этого супа на витрине, указав, что в соседнем здании их можно купить дешевле.

Затем мастер продолжает экспериментировать, рисуя эти же банки и складывать их в подобие стопок в магазине.

Все работы за 3000 долларов владелец галереи выкупил у художника, продав их за 15 млн долларов после смерти Уорхола.

Картины Лихтенштейна не поддаются легкому политическому прочтению. Празднует ли он Whaam! действия войны, острые ощущения погони, славу убийства? Или он комментирует этот праздник как бесчеловечный как для врага, так и для самих себя? Или это просто комикс для маленьких мальчиков? Эти вопросы (даже если Лихтенштейн никогда не собирался их поднимать) висят над нами полвека спустя.

Американский истребитель выпускает струю огня, которая взрывает вражеский самолет, не давая пилоту ни единого шанса спастись. Это картина насилия, но насилие переживается из третьих рук. Картина скрупулезно создана из военного комикса DC, точки и смелые цвета оригинала воссозданы вручную в огромном масштабе.

После ее внезапной смерти от передозировки снотворного в августе 1962 года жизнь, карьера и трагедия суперзвезды Мэрилин Монро стали всемирной одержимостью. Уорхол, увлеченный славой и поп-культурой, использовал ее черно-белую рекламную фотографию из фильма «Ниагара» для создания нескольких серий изображений.

Общая идея всех работ Мэрилин заключалась в том, что ее образ воспроизводился снова и снова, как это можно было увидеть в газетах и журналах того времени. После просмотра десятков или сотен таких изображений зритель перестает видеть изображенного человека, но остается с иконой популярной, потребительской культуры. Образ (и человек) становится еще одной коробкой из-под хлопьев на полке супермаркета, одной из сотен коробок — и все они абсолютно одинаковы.

В картине «Золотая Мэрилин Монро» Уорхол играет на идее иконографии, помещая лицо Мэрилин на очень большой золотистый фон.

На заднем плане сохранились византийские религиозные иконы, которые и по сей день занимают центральное место в православных верованиях. Только вместо Бога мы смотрим на изображение (которое становится немного кричащим при ближайшем рассмотрении) женщины, которая поднялась до славы и умерла в ужасной трагедии.

Уорхол тонко комментирует наше общество и его прославление знаменитостей до уровня божества. Художник указывает на ценности и окружение своих современников.

Напольный бургер —Клас Олденбург, 1962

Floor Burger, 1962 Claes Oldenburg
Напольный бургер —Клас Олденбург

Это очень спорное произведение, которое не все считают искусством. Мягкая скульптура — к такому жанру относится бургер, было чем-то новаторским, сюрреалистичным.

Его мягкое, податливое и красочное тело бросало вызов условности, которое говорило, что скульптура должна быть жесткой и строгой, а ее тематика и колоссальный масштаб привносили юмор и причудливость в часто трезвое пространство изобразительного искусства.

Избранный президент — Джеймс Розенквист, 1960–61

President Elect, 1960–61 James Rosenquist
Избранный президент — Джеймс Розенквист

Как и многие поп-арт художники, Розенквист был увлечен популяризацией политических и культурных деятелей в средствах массовой информации. В своей картине в стиле рекламного щита «Избранный президент» мастер смешивает рекламу калибра Мэдисон-авеню с политическими амбициями, изображая улыбающееся лицо Джона Ф. Кеннеди рядом с потребительскими товарами, а именно желтым Шевроле и куском торта из рекламы.

Розенквист создал коллаж, используя изображения, вырезанные из их первоначального контекста, который он адаптировал для того, чтобы соответствовать монументальному масштабу в фотореалистичном стиле. Как объясняет Розенквист, «Это лицо с предвыборного плаката Кеннеди. В то время меня очень интересовали люди, которые сами себя рекламировали. Почему они поместили объявление о себе? Так вот какое у него было лицо. А его обещание — это половина Шевроле и кусок черствого пирога».

Работа говорит об увлечении Розенквиста подсознательным убеждением через рекламу.

Витрина с пирожными, I — Клас Олденбург, 1961–62

Pastry Case, I, 1961–62 Claes Oldenburg

Витрина с пирожными, I — Клас Олденбург

Тарелка глазированного печенья, два сандея, торт, огромная стойка ребрышек и наполовину съеденное карамельное яблоко соперничают за наше внимание внутри витрины. Грубо говоря, эти неаппетитные модели классической американской закусочной тянутся к нам, скорее, как неловкие родственники.

Подобно портретам, но без человеческой фигуры, магия скульптуры Ольденбурга — это выразительный элемент, который он ей придает. Это самый эмоциональный (и веселый) из поп-арт художников, его гениальность заключается в балансе между иронией и серьезностью в ссылках на американскую культуру.

Зайки — Зигмар Польке, 1966

Bunnies, 1966 Sigmar Polke
Зайки — Зигмар Польке

В «Bunnies» объект полотна — группа женщин, вызывающе одетых в стиле кроликов Плейбоя. Хотя издали женщины кажутся привлекательными, при ближайшем рассмотрении их черты лица распадаются на множество цветных кругов, которые выглядят более чудовищными, чем человеческие. Полька-дот стирает индивидуальную идентичность женщин, тем самым указывая на их объективацию, присущую таким образам.

Такие журналы, как Playboy, представляют женщин как физически привлекательные сексуальные объекты, соблазняя зрителя внимательно разглядывать фотографии высокой четкости.

Помещая свое большое изображение на стену галереи и привлекая зрителя к тщательному изучению женских тел в общественном пространстве музея, художник принуждает зрителя чувствовать себя некомфортно и заставляет его противостоять привычным способам рассматривания.

Стандартная станция — Эд Рушей, 1966

Standard Station, 1966 Ed Ruscha
Стандартная станция — Эд Рушей

Эта картина превращает банальный образ бензоколонки в символический символ американской потребительской культуры. Здесь, с помощью трафаретной печати, Рушей сглаживает перспективу в единую плоскость, чтобы создать образ, который вызывает эстетику коммерческой рекламы.

Мягкий туалет — Клас Олденбург, 1966

Soft Toilet, 1966 Claes Oldenburg
Мягкий туалет — Клас Олденбург

В 1961 году Клас Олденбург написал манифест, утверждающий его радикальную художественную позицию: «Я за искусство политико-эротико-мистическое, которое не сидит на заднице в музее, а делает что-то другое».

Мягкий туалет — работа, которая избегает обычных свойств арт-объекта, не стоит ни на чем — даже на пьедестале, как многие скульптуры, — а скорее висит на металлической подставке.

Он превратил туалет — фабричный, жесткий фарфоровый символ современной гигиены — в сшитый вручную податливый предмет из набитого винила. Вялый и обвисший, как стареющее человеческое тело, мягкий туалет наделен собственной индивидуальностью и чувством драмы.

Электрическое кресло — Энди Уорхол, 1965

Electric Chair, 1965 Andy Warhol
Электрическое кресло — Энди Уорхол

Эта картина, написанная серебряной краской — часть серии Энди Уорхола «Смерть и катастрофы», где он запечатлел все ужасы суицидов, аварий и массовых беспорядков.

Картину описывают как «примечательна своей визуальной трезвостью и эмоциональной сдержанностью», а пустота и тишина комнаты «представляют смерть как отсутствие и тишину».

Изображение основано на фото 13 января 1953 года, когда на таком стуле были казнены супруги Розенберг — за то, что передали СССР информацию об атомной бомбе во время второй мировой войны.

Интересно, что это единственная картина из серии, где нет человека.

Обед — Джордж Сигал, 1964-66

The Diner, 1964-66 George Segal
Обед — Джордж Сигал

Освещенные сверху люминесцентной лампой у реалистичного обеденного прилавка находятся две фигуры. Сцену создают знакомые предметы: кофейные чашки, сахар, диспенсеры для салфеток.

Объекты реальны, а белые монохромные фигуры — нет. Они застыли в движении, один сидит, а другая работает за прилавком.

Закусочные — квинтэссенция среднего класса Америки — появились в работах многих художников. Сигал воссоздал повседневную сцену в натуральную величину, момент выглядит таинственно, почти магически открыто. Это мог бы быть кто угодно, в любой забегаловке любой части страны.

Театральность произведения усиливается тем, что мы стоим с ним в одном пространстве.

210 бутылок Кока-колы — Энди Уорхол, 1962

210 Coca-Cola Bottles, 1962 Andy Warhol
210 бутылок Кока-колы — Энди Уорхол

На картине изображена икона американской потребительской культуры с характерным для Уорхола механическим стилем. Строгий порядок бутылок отражает сам производственный процесс, в то время как повторяемость отражает его повсеместность.

Эволюция направления, или нео-поп-арт

В 1980-е годы возродился интерес к творчеству Энди Уорхола и его современников. Уорхол умер в 1987 году, но задолго до этого он вдохновил новое поколение художников. Следует отметить, что нео-поп-арт (или новый поп-арт) на самом деле не новое движение в искусстве, а скорее эволюция старой версии. Этим термином было удобно классифицировать череду новых художников, которые сочетали в себе элементы поп-арта, авангарда, минимализма, концептуализма и инсталляции.

Иногда его еще называют «шок поп-артом» из-за его провокационности и противоречивости. Авторы не стеснялись использовать средства массовой информации для привлечения внимания и раскрутки своих работ.

Пост-поп — это переработанная версия поп-арта, адаптированная под новое время: с новыми знаменитостями, с изображением актуальных проблем. Он критикует западную культуру, как когда-то запад критиковал Америку; часто высмеивает публичных персон.

Прекрасные примеры этого стиля — скульптура Катарины Фрич 1993 года «Крысиный Король» и скульптура Джеффа Кунса 1988 года: «Майкл Джексон и Бабблз».

Одна из черт этого направления — игра на чувствах людей, депрессивность, пессимизм, попытка вызвать страх, тревогу. Это было отражением того времени, критикой всеобщих навязчивых идей.

Наряду со звездами, массово использовались образы животных, таких как мультяшные собаки Кита Харинга, надувные пластиковые кролики Джеффа Кунса, гигантские угрожающие крысы Катарины Фрич или мертвые акулы, коровы и овцы в формальдегида Дэмьена Херста.

Как стиль развивался в других странах

Был ли в СССР?

Считается, что в СССР поп-арта не было. Хотя некоторые картины с натяжкой причисляют к советскому поп-арту.

«В стране тотального дефицита и очередей поп-арта не может быть».

В 70-ые годы в СССР появилась некая разновидность жанра, основанная на политической агитации и социалистических идеях. Назывался такой вид искусства «соц-арт».

Одной из известных российских (уже после распада СССР в 1991 году) поп-арт картин считается граффити Врубеля «Господи! Помоги мне выжить среди этой смертной любви».

КАК БЫСТРО НАРИСОВАТЬ ПОРТРЕТ В СТИЛЕ ПОП АРТ — Философия

Просмотров: 12773

Портрет в стиле поп арт станет самым оригинальным и неожиданным подарком для вашего друга, родственника или любимого человека. В интернете для Вас доступна услуга создания на заказ таких современных произведений искусства. В современных интерьерах прекрасно смотрятся поп арт портреты знаменитостей, они оживляют обстановку, делают ее яркой, впечатляющей, и потому такая услуга актуальна. В связи с этим многих пользователей сети Интернет интересует вопрос, можно ли сделать это своими руками?

Как сделать поп арт портрет своими руками

Самостоятельно это можно сделать в программе Adobe Photoshop, профессиональные уроки Photoshop, которые доступны даже новичку, помогут Вам разобраться с задачей. Так что, в Интернете Вы без труда найдете пошаговые инструкции по изготовлению портрета в стиле поп-арт. На компьютере можно быстро нарисовать, но если для Вас важна не скорость, а качество, тогда попробуйте создать портрет с помощью трафаретов. Существует несколько способов изготовления картин в этом стиле. Я расскажу Вам о технологии, по которой работает арт художник.

Сделать поп арт портрет онлайн – выбор холста

Поставив перед собой задачу научиться создавать картины в актуальном стиле поп арта по фотографии, приготовьтесь к тому, что блестящий результат Вы получите не сразу. Придется помучиться.  Для работы Вам потребуется грунтованный мелкозернистый холст на подрамнике. Выбор формата холста остается на Ваше усмотрение, но самые подходящие форматы для изготовления портрета: 30х40 см., 40х50 см., 50х60 см., 60х80 см. Для создания его своими руками я рекомендую купить готовый холст на подрамнике. Это даст Вам возможность наслаждаться творческим процессом, а не мучиться с техническими моментами. Кроме того, не имея опыта, Вы едва ли сумеете самостоятельно подготовить холст так, как того требует работа начинающего художника.

Смотреть на видео как рисовать женский портрет поп арт


Главный астролог страны раскрыла секрет привлечения богатства и процветания для трех знаков зодиака, вы можете проверить себя Бесплатно ⇒ ⇒ ⇒ ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ….


Как нарисовать быстро Поп арт портрет   – выбор и наложение красок

Рисовать будем акриловыми аэрозольными красками. Стиль поп арт, пожалуй, лучший пример минимализма в изобразительном искусстве. Для создания его своими руками достаточно 3 тонов: свет, полутень и тень. Начинать следует с полутени, которая будет основным фоном изображения. Этот цвет должен быть самым ярким, чтобы создавать общее цветовое решение полотна. Холст целиком следует покрыть краской и оставить на 10-15 минут, чтобы краска высохла. Затем накладывается первый трафарет – свет, он прокрашивается самой светлой краской. Баллон с краской нужно держать перпендикулярно планшету, на расстоянии 20-30 см., после чего следует переходить к наложению тени и завершению работы. С установкой трафарета тени нужно быть особенно внимательным, ведь накладывается он на прорисованный свет. От того, насколько ровно Вы положите трафарет тени, зависит результат работы. Спустя 24 часа портрет в стиле поп-арт можно вешать на стену.

Смотреть на видео как рисовать мужской портрет поп арт

Стиль Поп-арт — история зарождения, популярные работы, картины в стиле поп-арт

18 декабря 2018

Поп-арт – это классический понятный пример современного искусства, не требующий интерпретатора между зрителем и картиной.

Искусство, вызывающее споры, поп-арт обозначил новый период. Если дадаизм с его приземлением творческого был путеводной звездой поп-арта, то абстрактный экспрессионизм был той последней каплей пафосного глубокомыслия, в ответ на который возникло искусство масс. На волне элитарности, придаваемой ему значимости, возникает эстетика банального, красота просто. Поп-арт вышел из реклам, журналов и культуры потребления, постулируя стеб над философствованием.

Это – художественное направление, возникшее после войны, в 1950-х годах прошлого века и напрямую соединило искусство с поп-культурой («pop»-сокращение от прилагательного популярный). Билборды, комиксы, кинозвезды, домашняя и кухонная техника, продукты-полуфабрикаты — вот лишь некоторые сюжеты, с помощью которых поп-артисты иллюстрировали окружающий их мир.

В большинстве своем достигшие зрелости в послевоенное время, они почти не испытали опыта войны и оказались готовы приветствовать бум товаров и образов, вызванный бурным развитием общества потребления. Супермаркеты, поражающие взор изобилием ярких упаковок, сразу стали для них источником вдохновения, а телевидение – окном с видом на непрерывно меняющийся культурный, социальный и политический пейзаж. Характерная особенность поп-арта – широкое распространение образов массовой культуры с их яркими красками и механическим, лишенным индивидуальности исполнением.

Перенимая у общества потребления культ молодости, свежести, оптимизма, пап-арт не отворачивался и от темных сторон действительности. Так, Питер Сол привлекал внимание к ужасам войны во Вьетнаме. Эрро фиксировал сдвиги в мировоззрении потребителей, давая им весьма неоднозначную оценку. Двойственностью отличаются и другие произведения поп-арта. Критики и историки искусства не устают спорить о том, в какой степени представители этого направления солидаризировались с современным им обществом, а в какой – противостояли ему. Обнажая мифы своего времени, поп-артисты стремились рассматривать культуру в комплексе, замечая, как привлекательные, та и непривлекательные ее стороны.

Pop-art зародился в Англии, отправлявшейся от опустошений войны. Начало движению было положено британской Независимой группой, основанной в 1952 году такими участниками, как Ричардом Гамильтоном и Эдуардо Паолицци. Группа родилась из их неформального общения в лондонском Институте современного искусства (ICA).

Художники Независимой группы представили первые результаты своих исследований в области поп-культуры на выставке «This is tomorrow» (Лондон, 1956). Специально для этой выставки Ричардом Гамильтоном был создан коллаж «Так что же делает современные дома такими особенными, такими привлекательными?». В обставленной по последнему слову моды квартире он пометил образцы новейшей на тот момент аппаратуры (вакуумный пылесос со шлангом-удлинителем, телевизор и т.п.), фрагмент комикса размещен на стене в качестве картины, изображение «хозяев» — броские фигуры полуобнаженных мужчин и женщины, вырезанные из глянцевого журнала. За окном – фасад кинотеатра, город предлагает своим жителям множество развлечений на любой вкус. Накаченный мужчина держит в руке огромный леденец с надписью «рор».

Потолок в данном доме оформлен в духе моды на космические полеты, которая устанавливалась в то время. На сегодня этот коллаж признан одной из первых работ, выполненных в стиле поп-арт. Гамильтон, словно провидец, указал на важность продуктов массовой культуры, заимствовав для этого готовые образы из масс-медиа.

Ричард Гамильтон. «Что делает наши современные дома такими особенными, такими привлекательными?».

Коллаж. 26х25 см. Тюбинген, Художественная галерея 

В отличие от Гамильтона, всегда стремившегося выявить темные стороны рекламы и популярной образности, Блейк относился к ним с нескрываемым восхищением. Еще подростком он интересовался народным искусством и развлекательной культурой и не утратил юношеского восторга, начав заниматься искусством. Характерным примером его творчества может служить картина «На балконе», в котором предметы американского импорта бесконфликтно соединены со знаменитыми шедеврами европейского искусства, такими как, например, «Балкон» Э.Мане. Герои – дети с наивными лицами и со значками на одежде, окруженные россыпью повседневных образов, любовно перерисованных художником: среди них портреты поп-звезд и членов британской королевской фамилии, упаковки маргарина и соды, обложки журналов и картины в рамках.

 

Питер Блейк. «На балконе».

Холст, масло. 121х91см. Лондон, Галерея Тейт

Сегодня поп-арт прочно ассоциируется с искусством США. По словам Люси Липпард, одного из первых критиков, которое положительно относилась к новому направлению в искусстве, оно было порождено «мускулистым, пышногрудым, ежеминутно рождающимся американским обществом, которое не было отягощено грузом прошлого и рвалось в будущее». Помимо всемирно известного Энди Уорхола, к этому направлению также принадлежали Том Вессельман, Роберт Индиана, Рой Лихтенштейн, Клас Олденбург и Джеймс Розенквист.

Поп-арт фокусировался на повседневности. Принимая всё существующее, он подрывал престиж сосредоточенной на эмоциях беспредметной живописи абстрактного экспрессионизма, которая доминировала в мире искусства 1950-х годов.

Джаспер Джонс. «Флаг». Восковые краски, масло, коллаж на ткани, натянутой на фанеру.

Нью-Йорк, Музей современного искусства, дар Филиппа Джонсона в память Альфреда Х.Барра-мл.1954-1955

Картина Джаспер Джонса, еще одного представителя течения, как и флаг, состоит из трех составляющих: из поля звезд, а также двух примыкающих справа и снизу полей с красно-белыми полосами. Стало быть, это монтаж. Кроме того, каждая звезда, как в оригинале, выполнена отдельно и наклеена на фон. То, что сначала могло показаться результатом одного лишь художественно подхода, в результате оказывается соответствующим реальной ситуации.

В действительности, он рисовал флаг, а не изображал его. Флаг –это не мотив картины, просто картина является флагом. На первый взгляд объект живописи и само живописное произведение идентичны. Однако из этого, с другой стороны вытекает, что Джонс прав, когда он заявляет, что тема картины одновременно является живописью – живописью в физическом смысле, как мазок, как краска, как объект.

Использованная при создании картины техника письма довольно сложная: краски быстро высыхают, фиксируя все шаги, предпринятые художником. Следы краски остаются заметными. Джонс начал работу с эмали. Однако процесс высыхания показался ему слишком долгим, и он перешел к энкаустике – технике работы с расплавленными восковыми красками.

При рассмотрении он представляет собой лишь испорченный неправильным сшиванием кусок ткани с набивным или написанным вручную рисунком. Но тем не менее, фактически он является символом тождественности национального и общественного. Когда художник писал картину, его точку зрения на мир определял феномен войны, а точнее, война в трех вариантах. Между востоком и Западом, а фактически между СССР и США, продолжалась «холодная война» за мировое господство; вооруженный конфликт в Корее к тому времени только закончился; травля интеллигенции сенатором Маккарти, напротив, еще не прекратилась и отравляла культурный климат в США. Картина «Флаг», ставшая для одних вехой на пути к поп-арту, другими в свое время рассматривалась как удар по патриотическим чувствам.

 

Рой Лихтеншейн. «Эм-мейби». Холст, акриловые краски Magna

Кёльн, музей Людвига. 152х152 см. 1965

Разница между чрезвычайно эмоциональным содержанием и сдержанным изображением комиксов побудил к ним особый интерес художника. Роем Лихтеншейном мастерски был передан этот контраст в первую очередь в изображении молодых женщин, созданных им в 1960-х годах. Его картины этого периода были наделены особой вибрирующей напряженностью.

Светловолосая девушка с задумчивым выражением лица обращает взгляд голубых глаз на зрителя с картины «Эм-Мейби» и одновременно куда-то в пустоту – внутрь себя. Подперев голову левой рукой в белой перчатке – традиционная метафора для передачи меланхоличного настроения, — она размышляет о причине своего напрасного ожидания.

В этой работе художник оперирует пропастью между миром и индивидуальным сознанием. Комиксовые клише он обогащает простым воздействием живописной техники, используя основные цвета, силовые контрасты и четкий обобщенный рисунок.

Хотя поп-арт, несомненно, обязан своим существованием американскому мифу, ему, как мы видим, удалось распространить свое влияние и свои идеалы далеко за пределы США. Например, в 1965 году аргентинская художница Марта Минухин совместно с Рубеном Сантантоньином создала инсталляцию «La Menesunda» — которая на данный момент считается одной из значимых работ в аргентинском искусстве ХХ века. Название буквально переводится как хаос, путаница. Инсталляция представляет собой лабиринт из шестнадцати отдельных помещений. В свое время ее увидели порядка 30000 посетителей. Художница доказала, что искусство не обязательно должно иметь облик привычных нам экспозиций в музейных стенах, а вполне может существовать как часть повседневной жизни.

По своей сути поп-арт — это искусство, повествующее о равенстве всех людей, всех социальных слоев перед предметами обыденного потребления. Быт и массовая культура – это новое божество, перед которым все равны и которое всем доступно в равной степени. Происходит своего рода эстетизация банального, всем привычного. Поп-арт не прошел без следа, он оказал значительное влияние на моду, эстетику интерьеров, в дополнение к этому способствовал популяризации комиксов за переделами Запада.

Работы художников, выполненных в этой технике, можно увидеть в нашей галерее по ссылке: https://artdoart.com/paintings/style-popart

Искусствовед Манеева Анна

особенности или описание стиля и характерные черты направления 20 века, его история возникновения и представители

Новое направление в искусстве появилось в середине ХХ века в Британии – Поп-арт  (англ. pop-art, сокращение от popular art), целью которого было, в отличие от других направлений, не духовное развитие общества, а лишь развлечение.

Поп-арт это одна из веток авангардизма. Произведения в новом стиле были своеобразной реакцией на серьезность беспредметного искусства и других стилей, появившихся в ХХ веке, и не несли в себе никакого  глубокого философского смысла, а всего лишь отражали влияние массовой культуры на общество потребления.

История развития Поп-арта

Поп-арт как художественное направление зародился в 50-х годах ХХ века в Англии, а в 60-х годах стиль получил своё дальнейшее развитие в США, Нью-Йорке. Основоположниками поп-арта стали художники Энди Уорхол и Джаспер Джонс.

В 1952 году в Лондоне открылось объединение художников поп-арта «Независимая группа», которой руководили художники Э. Паолоцци и Р. Гамильтон. Участники объединения изучали технологии создания современной рекламы и её влияние на сознание общества с помощью популярных образов — эмблем и логотипов товаров, изображений знаменитостей: актёров, певцов, телеведущих.

Художники поп-арта впервые продемонстрировали свой талант на выставке «Это — завтра», которая состоялась в Голливуде в 1956 году. На картинах были представлены звёзды Голливудского кино в кадрах из кинофильмов с увеличением. Выставка привлекла большое количество посетителей и вызвала явный интерес у многих выпускников школы искусств, которые решили примкнуть к этому течению.

Поп-арт был признан искусством социального равенства благодаря тому, что это направление эстетизировало товары массового потребления: упаковки из-под печенья и шоколадок, банки популярных газированных напитков — одним словом, предметов, которыми пользуются все люди, вне зависимости от материального положения и социального слоя.

Художники

Самые известные мастера поп-арта:

  • Кит Харинг — американский художник, скульптор и общественный деятель, автор известных карикатур. C детства увлекался комиксами, влияние этого увлечения сказалось на дальнейших работах художника. Известность пришла к Харингу после появления его работ по росписи на стенах Нью-Йоркского метрополитена в начале 80-х.

  • Дэвид Хокни – британский художник, один из основателей поп-арта, а так же один из лучших мастеров данного стиля.

  • Джаспер Джонс — американский художник, одна из ключевых фигур стиля поп-арт, автор большого количества авангардных работ с изображением флага США.
  • Рой Лихтенштейн – американский художник, знаменитый своими работами в стиле поп-арт, автор комиксов. Свои первые работы Рой создавал, используя картинки из мультфильмов и комиксов, при этом он применял технологию из промышленной печати.
  • Уэйн Тибо — американский художник, один из известнейших представителей стиля поп-арт, автор большого количества картин с изображением сладостей и игрушек.
  • Энди Уорхол (Andy Warhol) американский художник, по происхождению русин. Один из самых известных мастеров в истории поп-арта и современного искусства. Как и многие молодые художники, начинал он свою карьеру с оформления витрин магазинов. Одной из первых его работ было иллюстрирование журналов. Его рисунки отличались эксцентричностью и крайней необычностью исполнения.

Присущие особенности стилю поп-арт

В основе поп-арта лежит изображение популярного символа: портрета звезды кинематографа или эстрады, эмблемы или логотипа всем известного лакомства или напитка. Для поп-арта характерна техника в стиле коллажа, фотопечати, чередование разных текстур, яркие цвета, а также надписи в форме девиза или слогана, благодаря которым картина почти не отличается от рекламного плаката.

Критика и значение стиля в искусстве

Несмотря на интерес общества и большое количество приверженцев, находились искусствоведы, которые критиковали поп-арт. Знаменитый художественный критик Хилтон Крамер считал поп-арт слишком примитивным, прививающим вульгарность и безвкусицу обществу. По мнению критика, поп-арт — это не более чем обычная реклама, которую по ошибке назвали художественным направлением.

К его мнению присоединился критик С. Куница, который высказывал опасение в том, что поп-арт приведёт к формированию конформистского, бездуховного общества, которое не интересуется ничем, кроме ежедневного потребления товаров и услуг.

  1. Сами представители поп-арта объясняли суть своего направления тем, что хотели вернуться к реальности, которая отсутствовала в произведениях художников-абстракционистов, и связать своё искусство с тем, что близко и понятно каждому современному человеку: кино, реклама, телевидение, индустрия товаров.
  2. Со временем работы художников поп-арта оказали своё влияние на дизайн одежды и интерьера: некоторые работы были задействованы известными дизайнерами в качестве принта для одежды и декорирования помещений.
  3. В одной из своих работ по аэрографии на холодильнике наши художники использовали стиль поп-арт для воплощения в жизнь оригинальной и творческой задумки заказчиков

Источник: http://art-plane.ru/stil-zhivopisi-pop-art-razvitie-mastera-proizvedeniya

ПОП-АРТ в живописи

ПОП-АРТ от англ. popular art – общедоступное, популярное искусство — направление в искусстве к. 1950-х – н. 1970-х. Возникло как оппозиция беспредметному абстракционизму и знаменовало обращение к концепции нового авангардизма.

Представители поп-арта объявили свою цель – «возвращение к реальности», однако, реальности которая уже опосредована масс-медиа.

Истоками их воодушевления были: реклама, глянцевые журналы, телевидение, фотография и упаковка. Направление поп-арта вернуло предмет в искусство. Однако, это не был предмет, который опоэтизирован художественным видением, а предмет, который связан с современной индустриальной культурой, особенно, с современными формами информации (кинематограф, телевидение, печать).

Последние технические приемы, которые были позаимствованы из промышленной рекламы и дизайна: фотопечать, включение реальных предметов, использование диапроектора, содействовали «обезличиванию» персональной творческой манеры художника и «раскрытию эстетической ценности» экземпляров массовой продукции. Зародился поп-арт в Англии.

Французские и американские художники достигли наибольшей известности. В Ге

Поп-арт | Характеристики, факты и художники

Поп-арт , искусство, в котором обычные предметы (такие как комиксы, консервные банки, дорожные знаки и гамбургеры) использовались в качестве предметов и часто были физически включены в работу.

Энди Уорхол: Банок для супа Кэмпбелла картин

Банки для супа Кэмпбелла , полимерная краска на холсте Энди Уорхола, 1962 г .; Коллекция из пяти экспонатов выставлена ​​в Музейном квартале в Вене.

© Ален Лакруа / Dreamstime.com

Британская викторина

Викторина по поп-культуре

Вы принцесса поп-музыки? Король Культуры? Проверьте, являетесь ли вы экспертом в сфере развлечений, ответив на эти вопросы.

Движение поп-арт было в значительной степени британским и американским культурным феноменом конца 1950-х и 1960-х годов и было названо искусствоведом Лоуренсом Аллоуэем в связи с прозаической иконографией его живописи и скульптуры.Работы таких поп-художников, как американцы Рой Лихтенштейн, Энди Уорхол, Клас Ольденбург, Том Вессельман, Джеймс Розенквист и Роберт Индиана, а также британцы Дэвид Хокни и Питер Блейк, среди прочих, характеризовались тем, что они изображали все аспекты популярного искусства. культура, оказавшая мощное влияние на современную жизнь. Их иконография — взятая из телевидения, комиксов, киножурналов и всех форм рекламы — была представлена ​​решительно и объективно, без похвалы или осуждения, но с подавляющей непосредственностью и посредством точных коммерческих методов, используемых средствами массовой информации, из которых иконография сам был заимствован.Поп-арт представлял собой попытку вернуться к более объективной, универсально приемлемой форме искусства после преобладания как в Соединенных Штатах, так и в Европе сугубо личного абстрактного экспрессионизма. Он также был иконоборцем, отвергая как превосходство «высокого искусства» прошлого, так и претензии другого современного авангардного искусства. Поп-арт стал культурным событием из-за того, что он точно отражает определенную социальную ситуацию и потому, что его легко воспринимаемые образы немедленно использовались средствами массовой информации.Хотя критики поп-арта называли его вульгарным, сенсационным, неэстетичным и шуткой, его сторонники (меньшинство в мире искусства) считали его искусством, которое было демократическим и недискриминационным, объединяющим как знатоков, так и неподготовленных зрителей.

Поп-арт был потомком дадаизма, нигилистического движения, существовавшего в 1920-х годах, которое высмеивало серьезность современного парижского искусства и, в более широком смысле, политическую и культурную ситуацию, которая привела к войне в Европе. Марсель Дюшан, поборник дадаизма в США, который пытался сократить расстояние между искусством и жизнью, прославляя объекты массового производства своего времени, был самой влиятельной фигурой в эволюции поп-арта.Другими художниками 20-го века, оказавшими влияние на поп-арт, были Стюарт Дэвис, Жерар Мерфи и Фернан Леже, все из которых изображали в своих картинах точность, массовое производство и коммерческие материалы машинно-промышленной эпохи. Непосредственными предшественниками художников поп-музыки были Джаспер Джонс, Ларри Риверс и Роберт Раушенберг, американские художники, которые в 1950-х годах рисовали флаги, пивные банки и другие подобные предметы, хотя и с живописной, выразительной техникой.

Одними из наиболее ярких форм поп-арта были стилизованные репродукции комиксов Роя Лихтенштейна с использованием цветных точек и плоских тонов коммерческой печати; Скрупулезно буквальные рисунки Энди Уорхола и шелкотрафаретные отпечатки этикеток для банок, мыльных коробок и рядов бутылок из-под прохладительных напитков; Мягкие пластмассовые скульптуры Класа Ольденбурга таких предметов, как сантехника, пишущие машинки и гигантские гамбургеры; «Великие американские обнаженные девушки» Тома Вессельмана, плоские прямые изображения безликих секс-символов; а также построенные картины Джорджа Сигала, изображающие гипсовые фигуры в натуральную величину, помещенные в реальную среду (например,г., обеденные стойки и автобусы) извлечены со свалок.

Рой Лихтенштейн: Вау!

Whaam! , акрил, масло на двух холстовых панно, Рой Лихтенштейн, 1963; в галерее Тейт Модерн, Лондон. 174 × 408 см.

Предоставлено попечителями галереи Тейт, Лондон Получите эксклюзивный доступ к контенту из нашего первого издания 1768 с вашей подпиской. Подпишитесь сегодня

Большинство художников поп-музыки стремились к безличному, вежливому отношению в своих работах. Некоторые примеры поп-арта, однако, тонко выражали социальную критику — например, поникшие предметы Ольденбурга и монотонное повторение одного и того же банального образа Уорхолом, несомненно, вызывают тревогу, — а некоторые, такие как таинственные, одинокие картины Сигала, являются откровенно экспрессионистскими. .

Джордж Сигал

Джордж Сигал с одной из своих работ, фотография Арнольда Ньюмана, 1964.

© Арнольд Ньюман

Американский поп-арт имел тенденцию быть символичным, анонимным и агрессивным; Английский поп, более субъективный и референциальный, выражал несколько романтический взгляд на поп-культуру, которому способствовала относительная удаленность Англии от нее. Английские исполнители поп-музыки имели тенденцию иметь дело с технологиями и поп-культурой в первую очередь как с темами, даже как с метафорами; некоторые американские поп-исполнители, казалось, действительно жили этими идеями.Девиз Уорхола, например, был: «Я думаю, что каждый должен быть машиной», и он пытался в своем искусстве производить работы, которые могла бы создать машина.

Поп-арт получил признание критиков как вид искусства, приспособленный к высокотехнологичному, ориентированному на СМИ обществу западных стран. Хотя поначалу публика не воспринимала это всерьез, к концу 20 века он стал одним из самых признанных течений в искусстве.

Поп-арт — Art Term

Рой Лихтенштейн
Вау! 1963 г.
Галерея Тейт
© Поместье Роя Лихтенштейна

Возникнув в середине 1950-х в Британии и в конце 1950-х в Америке, поп-арт достиг своего пика в 1960-х.Это началось как восстание против доминирующих подходов к искусству и культуре и традиционных взглядов на то, каким должно быть искусство. Молодые художники чувствовали, что то, чему их учили в художественной школе и то, что они видели в музеях, не имело ничего общего с их жизнью или тем, что они видели вокруг себя каждый день. Вместо этого они обратились к таким источникам, как голливудские фильмы, реклама, упаковка продуктов, поп-музыка и комиксы для своих изображений.

В 1957 году поп-художник Ричард Гамильтон перечислил «характеристики поп-арта» в письме своим друзьям, архитекторам Питеру и Элисон Смитсон:

Поп-арт — это популярный (рассчитанный на массовую аудиторию), временный (краткосрочное решение). ), Расходный (легко забывается), низкая стоимость, массовое производство, молодой (нацелен на молодежь), остроумный, сексуальный, бесподобный, гламурный, большой бизнес материи и их явно некритичным обращением с ней.Фактически, поп не только открыл искусство в новых предметных областях, но и разработал новые способы представления его в искусстве, и его можно рассматривать как одно из первых проявлений постмодернизма.

Американская поп-музыка против британской поп-музыки

Хотя они были вдохновлены схожей тематикой, британская поп-музыка часто отличается от американской.

Ранний поп-арт в Британии подпитывался американской популярной культурой, рассматриваемой издалека, в то время как американские художники были вдохновлены тем, что они видели и пережили, живя в этой культуре.

В Соединенных Штатах поп-стиль был возвращением к изобразительному искусству (искусству, которое изображало визуальный мир узнаваемым образом) и использованию резких граней и различных форм после живописной раскованности абстрактного экспрессионизма. Используя безличные, приземленные образы, поп-артисты также хотели уйти от акцента на личных чувствах и личном символизме, которые характеризовали абстрактный экспрессионизм.

В Британии движение было более академичным.Используя иронию и пародию, он больше сосредоточился на том, что представляют собой популярные американские образы, и на их способности манипулировать образом жизни людей. Художественная группа 1950-х годов The Independent Group (IG) считается предшественником британского движения поп-арта.

художественных техник для детей | HowStuffWorks

Для многих начинающих художников и любителей ремесел поиск нового подхода к своей работе является важной и необходимой частью художественного процесса.Если в последнее время вам не хватает вдохновения, попробуйте эти художественные техники для детей. Они обязательно отправят вас в новое творческое путешествие!

Каждая художественная техника подробно объясняется, а в некоторые проекты включены изображения, которые помогут вам понять, каким должен быть конечный результат. Готовы ли вы отправиться в увлекательное творческое путешествие?

Пуантилизм Техника изображения

Как думаете, из одних точек можно составить картинку? Попробуйте эту технику рисования пуантилизмом.

Техника изготовления фольги

Узнайте, как перенести изображение по частям, используя эту захватывающую технику печати на фольге.

Оттенки цвета Техника искусства

Можно ли взять только один цвет и сделать яркое изображение? Попробуйте оттенки колористической техники и убедитесь сами. Вы будете удивлены результатами.

Техника рисования мелком и красками

Мелок и краска не похожи на масло и воду.На самом деле они лучшие друзья. Посмотрите, как красиво они сочетаются с этой техникой рисования мелком и рисованием.

Художественная техника для литья пластичной смазки

Любите слепить гипс? Если вы это сделаете, вы можете попробовать эту технику художественного литья. Это весело и легко!

Живопись в технике палитры

В этой художественной технике палитры используются мазки краски для создания чего-то необычного.Вы будете поражены тем, что можно создать с помощью небольшого количества краски!

Картины для стен с тиснением фольгой

Ваша стена нуждается в отделке? Эти гобелены с тиснением фольгой обязательно украсят любую комнату.

Техника рисования

Возьмите существующее изображение и придайте ему новый вид с помощью этой техники рисования.

Техника рисования с брызгами

Создайте свою собственную картину Джексона Поллака с помощью этой техники рисования брызгами.Только убедитесь, что всю картину держите на бумаге, а не на обуви!

Техника штриховки и перекрестной штриховки

Используйте эту простую художественную технику штриховки и перекрестной штриховки, чтобы создать различные блики и тени на вашем изображении.

Техника непрерывного изобразительного искусства

Можете ли вы нарисовать рисунок, не позволяя карандашу отрываться от бумаги? Попробуйте эту технику непрерывного рисования и узнайте, как осуществить этот удивительный подвиг!

Техника печати Брайера

Попробуйте что-нибудь новое и захватывающее с этой техникой рисования брайера.Вы будете рады, что сделали.

Техника мозаичного искусства

Эта уникальная техника тесселяции требует от вас нестандартного мышления. Ты думаешь, ты сможешь это сделать? Как только вы попробуете, вас зацепит.

Или почему бы не сразу приступить к работе с техникой пуантилизма на следующей странице.

Для более увлекательных поделок и художественных техник попробуйте:

Стиль Энди Уорхола — Художник в технике поп-арта / Медиа:

Презентация на тему: «Художественный стиль Энди Уорхола — Техника художника в стиле поп-арт / Медиа:» — стенограмма презентации:

1 Энди Уорхол 1929–1987 Художественный стиль — поп-арт Исполнитель Техника / медиа:
Поп-художник изменил мир искусства в конце 1950-х и 1960-х.Они представили изображения из повседневной жизни и из коммерческого мира вокруг них. Их изображения были взяты из комиксов, фильмов, рекламных щитов и полок продуктовых магазинов. Некоторые критики считали, что изображения в стиле поп-арт были комментарием распространения товаров массового производства и современной культуры. Уорхол использовал гигантскую банку для супа Кэмпбелла и мыльницы Brillo в качестве изображений в ранних произведениях искусства, напоминая о детстве, проведенном дома, когда он был болен. Уорхол уделял много внимания лицам кинозвезд и популярных знаменитостей своего времени.Многие из его изображений в стиле поп-арт используют высококонтрастные цвета и преувеличенные «вне регистра» края. Техника художника / медиа: В его работах и ​​работах других поп-художников использовались четкие линии, безличное качество с использованием трафаретной печати или рисования плоских ярких цветов, они нереалистичны и не лестны.

2 Темы Энди Уорхола: Кинозвезды и музыканты (Монро, Элвис, Джагер, Брандо, Тейлор, Джексон) Политики и их жены (Джеки О, Мао, Кеннеди) Знаменитости (Микки Маус, Али, Автопортреты) Коммерческие продукты (Суп Кэмпбелла, Брилло) Трагедия животных

3 Материалы Энди Уорхола: Он работал в различных медиа, включая живопись, эстамп, скульптуру, кино и музыку.Уорхол обратился к фотографическим изображениям из рекламы и журналистики в качестве отправной точки для своих знаменитых картин на шелкографии.

4 Энди Уорхол Биография Энди родился в 1928 году в Питтсбурге в семье словацких иммигрантов. Его первоначальное имя было Эндрю Уорхола. Его отец был строителем и погиб в результате несчастного случая, когда Энди было 13 лет. Энди рано проявил талант к рисованию и живописи.После школы он изучал коммерческое искусство в Технологическом институте Карнеги в Питтсбурге. Уорхол получил высшее образование в 1949 году и отправился в Нью-Йорк, где работал иллюстратором в таких журналах, как Vogue и Harpar’s Bazaar, а также в коммерческой рекламе. Вскоре он стал одним из самых востребованных и успешных коммерческих иллюстраторов Нью-Йорка. В 1952 году Энди Уорхол провел свою первую персональную выставку в галерее Hugo в Нью-Йорке. В 1956 году у него была важная групповая выставка в известном Музее современного искусства.В шестидесятых годах Уорхол начал рисовать предметы повседневного массового производства, такие как банки для супа Кэмпбелл и бутылки из-под колы. Вскоре он стал известной фигурой на арт-сцене Нью-Йорка. С 1962 года он начал делать шелкографии таких известных личностей, как Мэрилин Монро или Элизабет Тейлор. Квинтэссенция искусства Энди Уорхола заключалась в том, чтобы устранить разницу между изобразительным искусством и коммерческим искусством, используемым для журнальных иллюстраций, комиксов, альбомов звукозаписи или рекламных кампаний.

5 Биография Уорхола Однажды Уорхол выразил свою философию одним предложением:
«Если задуматься, универмаги похожи на музеи».Поп-артист не только изображал массовые товары, но и хотел массово производить собственные произведения поп-арта. В результате он основал «Фабрику», художественную студию, где он довольно хаотично нанимал «работников искусства» для массового производства в основном принтов и плакатов, а также других предметов, таких как обувь, разработанная художником. Первое местонахождение Фабрики было по адресу 231 E. 47th Street, 5-й этаж (между 1-й и 2-й авеню). Излюбленной техникой печати Уорхола была шелкография. Это было ближе всего к его идее распространения искусства.Фабрика не только была машиной для производства произведений искусства, но и служила киностудией. Уорхол сделал более 300 экспериментальных подземных фильмов — наиболее довольно странные, а некоторые довольно порнографические. Его первый снимок назывался «Сон» и не показывал ничего, кроме человека, спящего более шести часов. В июле 1968 года поп-артист получил два-три выстрела в грудь от женщины по имени Валери Соланис. Энди был тяжело ранен и едва избежал смерти. Валери Соланис временами работала у художника на Фабрике.Соланис основала группу под названием SCUM (Общество порезания мужчин), и она была ее единственным членом. Когда на следующий день арестовали Валери Соланис, она сказала: «Он слишком сильно контролировал мою жизнь». Уорхол так и не оправился от ран полностью, и всю оставшуюся жизнь ему приходилось носить повязку на талии.


6 Энди Уорхол 1928–1987 Краткая биография
Личный опыт художника, родившегося в Форест-Сити, штат Пенсильвания.Вырос в бедном шахтерском городке в Пенсильвании. Отец умер, когда Уорхол был подростком. Пережил нервные срывы. Обожаемые звезды кино. Жили во время культурных потрясений 1960-х и 1970-х годов. Образование Университет Карнеги.

7 Энди Уорхол 1928–1987 Краткая биография
Работал иллюстратором в Нью-Йорке Создавал рекламу обуви в начале карьеры иллюстратора Провел первую выставку в Loft Gallery, ознаменовав начало поп-арта. Был центром социальной жизни Нью-Йорка. Пятнадцать минут славы »Влиял на Роя Лихтенштейна и других поп-исполнителей.Создал несколько фильмов. Работал с командами «помощников», создавая произведения искусства массового производства. Собирал произведения искусства и артефакты в огромные коллекции.

8 Энди Уорхол Условия мира: В Соединенных Штатах «шестидесятые», как они известны в популярной культуре, — это термин, используемый историками, журналистами и другими учеными; в некоторых случаях для описания контркультуры и социальной революции в конце десятилетия; и описать эту эпоху как эпоху безответственного эксцесса и яркости.Десятилетие также было названо «колеблющимися шестидесятыми» из-за падения или ослабления некоторых социальных табу, особенно касающихся сексизма и расизма, имевших место в это время. Уорхол воспользовался излишествами и коммерциализмом той эпохи с его ярким стилем жизни и произведениями искусства, изображающими богатые, известные и коммерческие продукты.

9 Энди Уорхол 1928–1987 Общие исторические факты
Жил во время культурных потрясений 1960-х и 1970-х годов Процветание в Америке Коммерциализм и покупательная способность потребителей растут Социальные / культурные факты — События Кумиры кинозвезд и рок-звезд Космическая гонка идет против правительства … антивоенные темы создают разрыв между поколениями

10 Энди Уорхол 1928-1987 Художник Намерение Материалы художника
Создавать произведения искусства, демонстрирующие «популярные» изображения идолов и повседневные товары Созданные работы, основанные на звездах, политиках, животных, катастрофах, американских иконах и известных произведениях искусства, с которыми Уорхол пытался связаться с нами все с повседневными изображениями. Работы Уорхола красочны и имеют вид серийной трафаретной печати.Он вызывает настроение оптимистичного коммерциализма. Работа Уорхола напоминает нам, что искусство можно увидеть во всем, что мы видим повседневно. Художники Материалы Акриловые краски Трафаретная печать Методы массовой печати Стили Уорхола — это «поп-арт»

11 Энди Уорхол 1928–1987 Ресурсы:
Scholastic Art / Art & Man: февраль 2000 г. Scholastic Art / Art & Man: май 1987 г. Warhol, Aberville Modern Masters Wikipedia Поиск изображений в Google AAmzeb4

Искусство — история, живопись и художники

Поп-арт (сокращенно от популярного искусства) — это художественное направление, возникшее в начале 1950-х годов в Англии.В его основе лежит эстетика предметов массовой культуры. Этот художественный стиль считается ответвлением авангарда. Впервые в истории искусства возникло художественное движение, которое не преследовало цели улучшения духовно-нравственного состояния общества — это была реакция художников на беспредметный абстракционизм и экспрессионизм. Эстрадные артисты призвали общество вернуться к реальности.

В 1952 году в Лондоне художники Э. Паолоцци и Р. Гамильтон создали ассоциацию The Independent Group для изучения рекламных технологий и способов воздействия на массовое сознание с помощью изображений: эмблем, логотипов, фотографий знаменитостей.Спустя четыре года на выставке «This is Tomorrow» в Голливуде художники представили картины в новом стиле поп-арт, стремительно завоевавшем популярность в Англии и США. Общество потребления с энтузиазмом восприняло «искусство массового потребления». В 1960-х годах поп-арт стал самым влиятельным направлением в искусстве, прежде всего благодаря своей простоте и доступности. Он предлагал людям яркую эстетику товаров народного потребления: упаковки печенья, пачки чипсов, шоколад, банки с газированными напитками и т. Д.Реклама стала видом искусства. Стиль неоднократно подвергался критике, признавался безвкусным, заурядным, банальным и пошлым. Тем не менее картины, скульптуры и другие произведения поп-арта оказали сильное влияние на развитие моды и дизайна в конце 20 — начале 21 века.

Картины в стиле поп-арт напоминали рекламные плакаты, работы были яркими и яркими. Музы этих артистов были голливудскими звездами и героями рекламных роликов, а источником сюжетов были СМИ.Создавая свои произведения, художники использовали приемы промышленной рекламы и дизайна. Объекты заменяли сюжеты: на картинах изображены игрушки, консервные банки, бытовая техника, персонажи комиксов и телешоу. В свои работы художники часто включали надписи, слоганы, символы, граффити. Поп-художники использовали коллажи, сочетания предметов и материалов, они искали яркие моменты. Акриловые краски, фотобумага, стекло, пластик, металл и кожа могли сосуществовать в одной работе. В результате «шедевр» представлял собой коктейль из цветов, форм, материалов и техник.Основная концепция работы должна следовать одному правилу — не быть скучным.

Значимые произведения поп-арта:
диптих «Мэрилин», 1962, «Сто банок супа», 1962, «Черный Ленин», 1987 Энди Уорхола, «Большой всплеск», 1967 Дэвида Хокни, «Плачущая девушка» , 1963, «Натюрморт с золотой рыбкой», 1974, «Интерьер с африканской маской», 1991, Рой Лихтенштейн, «Крещение», 1982 Ж.-М. Баския, Без названия (разноцветные младенцы), 1988 Кит Харинг.

Поп-исполнители:
Самыми известными художниками поп-арта были Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, Том Вессельманн, Джаспер Джонс, Кейт Харинг, Уэйн Тибо, Джефф Кунс, Яёи Кусама.

Поп-арт | Фото на холсте

История поп-арта

Поп-арт — это движение, возникшее в конце 1950-х в Англии и Соединенных Штатах как реакция на искусство абстрактного экспрессионизма, которое они считали пустым и элитарным. Общим элементом движения поп-арта является не похожий стиль или техника в композиции произведений искусства, а общая тема для всех произведений, созданных в эту эпоху.

Общая тема — массовый потребительский рынок и мир коммерции.Поп-арт использует знакомые изображения в другом смысле, чтобы достичь с ними эстетической позы или выразить социальную критику. Как следует из названия, «Популярное искусство» следует интересам и темам людей.

В то время как такие художники, как Рой Лихтенштейн, думали о поп-арте как о чем-то, что отражает серийность и неперсонализированность искусства, AllPopArt.com с момента своего скромного зарождения в 2004 году пытался обновить историю этого художественного движения и вернуть ее людям. . Цитата из движения поп-арта Энди Уорхола, 1968:

«В будущем все будут всемирно известны по 15 минут.»-AllPopArt.com делает вас и ваших близких сюжетом картины.

Вот уже почти десять лет мы делаем из ваших фотографий потрясающие произведения искусства. Такое ощущение, что вчера мы впервые попробовали наш ныне пользующийся спросом стиль поп-арта Уорхола; На протяжении многих лет вы делились своими бесценными семейными воспоминаниями с нами историями счастья, достижений, любви, а иногда и потерь.

Когда мы получаем ваши фотографии, мы знаем, что за ними стоит какая-то история и что они значат для вас что-то особенное.Внимательно изучив ваш заказ, мы приступаем к работе, создавая уникальное произведение искусства специально для вас.

Мы ищем лучшие отделочные материалы, экологически чистые и устойчивые. Мы вручную изготавливаем каждый принт и каждую рамку в нашем магазине нестандартных рам, чтобы вы могли наслаждаться своим искусством в любой комнате своего дома на долгие годы.

Итак, начните бесплатную консультацию по фотографии, наши арт-консультанты всегда готовы поговорить с вами в рабочее время. И, если по какой-либо причине вы не любите свое персонализированное искусство, верните его для возврата или замены.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *